LUCRECE BORGIA : UNE MERE « KLEINIENNE »
(Comédie Française, 2018, mise en scène de Denis Podalydès)

Dans un texte jusqu’à présent inédit et récemment publié par John Steiner, Mélanie Klein, à la fin de sa vie, met en garde ses disciples contre une utilisation trop sombre de sa technique centrée sur l’interprétation du transfert négatif. S’il faut savoir découvrir la haine derrière l’amour, il faut aussi parfois, ajoute-t-elle, savoir distinguer l’amour derrière la haine. Comme le remarque Antoine Vitez, la tragédie de Lucrèce Borgia est celle de l’amour maternel venu trop tard.

Criminelle, adultère, incestueuse et incestée, Lucrèce veut s’arracher au mal qui est sa condition, se faire connaître et aimer de l’enfant qu’elle a eu. Élevé et tenu éloigné d’elle, Gennaro ignore sa filiation. L’amour d’une mère rachète toutes les fautes. Une goutte de lait de tendresse humaine peut teinter en blanc un océan de noirceur (Podalydès).

Dans la préface qu’il donne à son œuvre, Hugo, selon une thématique qui lui est chère, avance que le poète « fera toujours apparaître volontiers le cercueil dans la salle du banquet, la prière des morts à travers les refrains de l’orgie, la cagoule à côté du masque. ». Kleinien avant la lettre, l’auteur d’Hernani n’hésite pas à nous dire qu’il donnera à Triboulet un cœur de père, et à Lucrèce la monstrueuse des entrailles de mère.

Pris dans un terrible quiproquo, Gennaro, l’enfant de la troupe, garde comme une cuirasse sous son habit les lettres qu’il reçoit tous les mois de sa mère qu’il n’a jamais vue. Une mère immaculée, lieu de toutes les idéalisations, dont il va penser qu’elle est victime des terribles machinations de l’horrible Lucrèce. Lorsqu’il comprend que celle-ci le poursuit de son amour, de Venise à Ferrare où elle règne désormais, il retire la lettre B de l’inscription qui trône sur le palais BORGIA, jetant la dérision sur Lucrèce, et signant son arrêt de mort. En vain la mère désespérée essaie de le gracier. Après avoir accepté son aide dans un premier temps sous la forme d’un contrepoison, il la refuse finalement. C’est que la mauvaise mère Lucrèce n’a pu (et pour cause) lui jurer qu’elle n’est pour rien dans les malheurs de sa (bonne) mère. Et pour cause, puisqu’elles sont une seule et même personne.

Passage tragique de l’objet partiel à l’objet global, avec le velléitaire Don Alphonso Duc d’Este et 4ème mari de Lucrèce, et le ténébreux confident Gubetta, se partageant la figure du mauvais père. « Gennaro, je suis ta mère », dit Lucrèce en expirant, tandis qu’expire aussi le fils.

L’on se souvient de la formule provocatrice que se permit un jour un Jean Laplanche : « Faut-il brûler Mélanie Klein ? » A quoi il répondit par un verdict de clémence en ajoutant qu’il fallait seulement la faire travailler. Au risque d’un anachronisme évident, je dirai simplement que c’est bien ce qu’il nous a fait ici, l’auteur des Contemplations : Faire travailler Mélanie Klein !

Francis Drossart

Paris, 25 novembre 2018

Fara Da Se

L’on sait que Freud, reprenant la formule de Garibaldi sur l’Unité italienne, disait que la psychanalyse n’avait à compter que sur ses propres forces, sans chercher sa validation du côté des autres sciences, ni de la politique ou de la religion. Elle se construirait par elle-même : Fara da se

En ces semaines troublées qui ont pu faire redouter, dans notre pays, le triomphe des forces de la discrimination et de l’obscurantisme, la psychanalyse, en tant qu’héritière de la pensée des Lumières, (même si elle ne partage pas le paradigme rousseauiste d’un homme né naturellement bon), a pu à bon droit se considérer comme menacée dans notre pays. Elle le restera malgré l’issue heureusement républicaine des dernières élections présidentielles.

Menacée, elle l’était lorsque Freud lui donna existence sous l’Empire Austro-Hongrois, réactionnaire et antisémite. Elle le fut lorsque l’Anchlüss exila les psychanalystes viennois et que la recherche de la vérité qu’elle véhicule fut pourchassée dans la plus grande partie de l’Europe. Aujourd’hui à nouveau, elle l’est par cette offensive de l’insignifiance qui vise à dénier l’inconscient sous prétexte d’une lutte obsessionnelle contre les symptômes, lutte tout droit sortie de l’utopie cauchemardesque du Meilleur des Mondes.

Le Quatrième Groupe, quelle que soit son adhésion au principe freudien d’abstinence, ne pouvait être indifférent aux évènements politiques qui n’ont pas fini de nous préoccuper. Il est resté vigilant, dans le cadre du Groupe de Contact, à défendre inlassablement la psychanalyse contre les attaques qui visent non certains de ses effets, mais son existence même. A ce titre, il envisage de s’associer aux démarches que celui-ci va entreprendre dès maintenant auprès de certains ministères nouvellement nommés, et dont dépend le sort de la psychanalyse dans les institutions soignantes et universitaires. Et il reste fidèle à l’esprit de cette formule qui fut celle de Nathalie Zaltzman, auteure de La Guérison Psychanalytique :

« Ce n’est pas le Quatrième Groupe que nous avons à défendre, c’est la psychanalyse ! »

Francis Drossart

A Chacun sa Vérité

La notion de vérité alternative qui fait florès actuellement a donné une nouvelle actualité au roman d’Orwell 1984, redevenu best-seller aux États-Unis. Le commentaire éclairant de Pierà Aulagnier sur cette œuvre mérite également lecture (1). Le 17 août 1914, on pouvait lire ces lignes dans le journal L’Intransigeant (2) : " Quant aux balles allemandes, elles ne sont pas dangereuses. Elles traversent les chairs sans faire aucune déchirure ". 

La psychanalyse est née le jour de la lettre écrite par Freud à W. Fliess, lettre dans laquelle il place la réalité externe au second plan derrière la réalité psychique. Faut-il en conclure, comme le prétendent les détracteurs de la pensée freudienne, que celle-ci utilise la formule pirandellienne au profit d’un grand n’importe quoi ? La réponse est non, évidemment. La répétition de l’acte manqué, par exemple, inscrit la psychanalyse dans le domaine de la preuve. Freud était (aussi) un grand lecteur d’Agatha Christie ! (3).

Confrontés comme tout le monde à une nouvelle offensive de l’insignifiance (4) et de déni omnipotent (5) qu’ils observent dans les médias et ne connaissent que trop chez leurs analysants, les psychanalystes ont des choses à dire sur ce phénomène, et pourraient en faire un nouveau débat scientifique, d’ailleurs déjà amorcé. Comme l’indiquent Bion (6) et J. Steiner (7), le thème central du drame de Sophocle est le conflit entre Œdipe et Tirésias, c’est-à-dire la haine de la vérité, un Watergate en quelque sorte dans lequel Œdipe fait semblant de vouloir mener l’investigation.

Contrairement à ce qui est souvent dit ou écrit, le Quatrième Groupe ne s’est pas constitué en contradiction, voire en vérité alternative, vis-à-vis des modèles de formation ipéistes ou lacaniens mais à côté de ceux-ci, dans une démarche asymptotique de recherche de la vérité. Mais quelle vérité, sinon celle du désir de devenir-être analyste ? C'est-à-dire investigateur dans un monde tendant à devenir orwellien, en refusant ses contre-vérités.

Francis Drossart - Février 2017

1) Aulagnier P. (1984), Le pire des mondes, in L’Apprenti-Historien et le Maître Sorcier, du Discours Identifiant au Discours Délirant, Paris, PUF, coll. Le Fil Rouge

2) Cité par : L’Obs, 2 février 2017

3) Mijolla-Mellor (de) S. (2007), Un divan pour Agatha Christie, L’Esprit du Temps

4) Herlem P., L'offensive de l'insignifiance in Le Coq-Héron n° 192, 2008/1, Erès, 2008

5) Drossart F., (2014), Le déni omnipotent, Topique n°127, La pensée kleinienne

6) Bion W.R. (1967) Réflexion faite, trad.fr. Paris, PUF, 1983, Bibliothèque de Psychanalyse

7) Steiner J., Turning a blind eye, The cover-up for oedipus

LE LABYRINTHE DU SILENCE ( Im Labyrinth des Schweigens)
Un film de Giulio Ricciarelli (2014)

« Malheur à qui porte la vérité à ceux qui la combattent à la force du déni ! »
La remarque de Paul-Claude Racamier, dans son ouvrage L’inceste et l’incestuel (1995) m’est venue à l’esprit à la sortie du cinéma où je venais de voir ce film. Mis à part mon profond désaccord avec les théories de l’auteur du Génie des Origines, je me suis tout de suite demandé s’il était pertinent de mettre sur le même plan les crimes incestueux et les crimes contre l’humanité. Mais alors que le Mémorial de la Shoah ouvre ses portes à une exposition sur le génocide arménien, le nouage indéfectible entre horreur et indécence m’est apparu donner raison à cette association hasardeuse. Soit.

« Il vous faudra un camion ! »
C’est l’exclamation de l’officier américain qui, en ce jour de 1958, dans cette ville de Berlin (qui se prétend dénazifiée et où les jeunes gens n’ont jamais entendu parler d’Auschwitz), autorise le jeune procureur Johann Radmann à sortir les fiches des anciens SS gardiens de ce camp. A la fin du film, le même officier tentera en vain de le dissuader d’aller chercher, dans ces mêmes archives, le nom de son père disparu quinze ans auparavant.

Hallucinante recherche de la « laide vérité » qui va d’abord obliger le jeune homme à en venir presque aux mains avec un rescapé juif du camp, qui refuse au début de lui confier une mallette contenant des archives dérobées lors de l’arrivée des Russes.

L’ami du procureur, qui le met en contact avec le rescapé, est un journaliste d’investigation de deux ans son aîné. Sa recherche ardente de la vérité sur la Shoah se révèlera à la fin du film sous-tendue par la terrible culpabilité d’y avoir participé.

Bien loin de l’aura maléfique du Dr Mengele, tapi dans une sorte de banalité du mal, un ancien gardien du camp a retrouvé, dans cette Allemagne qui a décidé de se consacrer à sa reconstruction et au football, son poste d’instituteur. Lorsqu’on viendra le chercher dans la cour de récréation de l’école, il est en train de donner une gifle à un élève maladroit en lui disant : « Comme ça tu feras la différence entre ta gauche et ta droite ! »

« Silence is the real crime » (le vrai crime, c’est le silence), affirmait Hanna Segal en 1987 à propos de la terreur nucléaire. La formule perversement inversée par les criminels contre l’humanité est celle, orwellienne, que reprend en la dénonçant Pierà Aulagnier : le « crime-pensée ». En ce printemps de 2015, cela nous dit évidemment quelque chose.

Perdu un moment dans son labyrinthe, le procureur va déchirer à la fois sa veste, et sa relation amoureuse avec une coututière. « Ce n’est pas réparable », lui dit celle-ci lorsqu’il lui amène la veste. La fin du film laisse planer un léger espoir. Mais la tenue d’un prisonnier du camp, telle que nous pouvons aujourd’hui la voir derrière une vitrine du Mémorial, elle, ne pourra jamais être réparée...  Et le navire baudelairien pris « dans un piège de cristal » (comme la nuit du même nom), nous laisse, comme cette veste, une métaphore de l’irréparable.C’est la trace qui appelle à réparation, pas le fait obscur tapi dans ce que le négationnisme appelle les détails de l’histoire. Mais pour cela, cette trace, il faut bien, encore, la faire réapparaître.

Voilà pourquoi le film de Ricciarelli mérite, à mon avis, l’ attention des psychanalystes et de tous ceux à qui la psychanalyse n’est pas étrangère.

                                          Francis Drossart

SEMINAIRE « UNE THEORIE KLEINIENNE DE LA CREATIVITE »

Francis Drossart

14 novembre 2014 : L’œuvre de Niki de Saint-Phalle

Née à New-York en 1930 après la crise financière et la découverte par sa mère de l’infidélité paternelle («Je suis une enfant de la dépression »), morte en Californie en 2002 (non loin du Mexique dont le culte solaire inspire une partie de son œuvre), Niki de Saint-Phalle est sans doute l’un des plus grands sculpteurs de tous les temps… sinon «le plus grand», comme se plaisait à dire son complice et amant Jean Tinguely, négligeant Praxitèle, Michel-Ange, Puget, Rodin et quelques autres. En tout cas, contrairement au couple Rodin – Camille Claudel, le couple Niki – Tinguely fut un couple échappant au machisme. Et le féminisme, auquel Niki n’adhéra jamais explicitement, lui doit la comparaison entre le statut de la femme dans le monde et celui des noirs américains… lors de cette époque des « seventies » pendant laquelle John Lennon et Yoko Ono scandaient : « Woman is the nigger of the world »… L’on se souvient des deux temps successifs décrits par Albert Camus : celui de la prise de conscience de l’absurde (L’étranger) puis celui de la révolte (L’homme révolté). Chez Niki, qui revendique avec dérision son statut de descendante de Gilles de Rais, et se mobilisera totalement au cours des années 80 dans la lutte contre le Sida, les deux temps (dadaïste d’une part, engagé d’autre part) coïncident toujours. Et les Tirs illustrent particulièrement cette dualité. Celle qui tira sur des autels fut aussi celle qui construisit des cathédrales (cette Hon, statue d’une femme allongée que l’on peut visiter en entrant par son portail vaginal)… Ou qui érigea les Totems.

L’on raconte que Marta Arguerich, à l’âge de quatre ou cinq ans, monta sur un tabouret de piano pour relever le défi d’un cousin, et devint celle que l’on sait. C’est ainsi que je me représente la jeune sauvageonne vêtue de blanc et armée d’une carabine 22long rifle, réalisant ses premiers tirs dans un fond de jardin qui jouxtait l’Hôpital des Enfants Malades.

Nous avons vu la fois dernière comment on peut, à travers les tentatives heureuses ou malheureuses de réparation de la position dépressive décrite par Mélanie Klein (une autre Calamity Jane !), élaborer une théorie de la création artistique qui va plus loin que celle élaborée par Freud avec la notion de sublimation. Rappelons qu’ Hanna Segal, s’appuya, notamment sur l’œuvre de Proust, énonce que l’artiste, l’écrivain, le compositeur, cherchent inlassablement à recréer un univers définitivement perdu. Mais pas à l’identique. Que penser de ces autocars de touristes garés devant la maison de Combray où chacun s’extasie devant le service à thé dans lequel Marcel trempa la petite madeleine. Mais ce qui donne au Narrateur de la Recherche, dans le Temps Retrouvé, la force de surmonter son désespoir, alors que les protagonistes vieillis de son enfance lui renvoient sa propre image flétrie par les « ravages du temps » - et lui rappellent sa jeunesse perdue en mondanités, c’est l’idée que « la vraie vie, c’est la littérature ».

Opposant l’artiste au psychotique, Segal cite un roman de W.Golding, La Flèche. L’action met en scène, au Moyen Age, un constructeur de cathédrales mégalomane qui veut élever une flèche d’une hauteur exceptionnelle. Son sadisme et son mépris de ses collaborateurs s’opposent trait pour trait au grand respect de Niki pour les artisans de Toscane auxquels elle fait appel pour son Jardin des Tarots. Le sadisme du héros de La Flèche, tout particulièrement dirigé contre les couples, est lié, selon Segal, à une représentation de parents antisexuels. Bion fait de ce fantasme de parents antisexuels l’un des plus actifs à l’œuvre dans les meurtres schizophréniques. Comment ne pas voir dans les Tirs la réalisation symbolisée de ce fantasme (lié à la réalité de l’enfance de Niki). Ou dans cette Promenade du dimanche, ces représentations de Mères dévorantes et de Pères prédateurs ? Ou dans ce dinosaure de King Kong qui, au milieu des missiles atomiques, détruit une ville au milieu des médaillons de chefs d’Etat masculins ? « Le symbole ainsi créé n’est ni une copie, ni l’équivalent de l’objet. Il s’agit d’une re-création ressentie comme dotée d’une existence indépendante de l’artiste lui-même : il ne crée pas seulement dans son monde interne, mais donne vie dans le monde externe ». (Segal)

Et c’est précisément cette re-création qui est à l’œuvre dans la plupart des œuvres de Niki. Le Golem de Jérusalem évidemment, appelé « Le Monstre » par les enfants qui dévalent l’une de ses trois langues en forme de toboggan .Cette Fontaine de Château-Chinon, ou celle de la place Stravinski, où les redondances colorées de Niki se heurtent et se mélangent aux roues dentées couleur de rouille, de Tinguely ? Dans cette page qui semble sortie d’un livre pour enfant, intitulée « My love, where shall we make love ». Ou dans ces Nanas dansantes, dont l’une d’elles, qui semble avoir quatre jambes, semble évoquer ces êtres doubles du discours d’Aristophane, dans le Banquet de Platon qui décrit ainsi la démarche de l’androgyne primordial : « … ou bien, quand il entreprenait de courir vite, c’était à la façon d’une culbute et comme quand, en faisant la roue, on se remet d’aplomb dans la culbute par une révolution des jambes : en s’appuyant sur les huit membres qu’il possédait alors, l’homme avançait vite, à faire ainsi la roue ! ».

« Comment la culpabilité peut-elle inhiber la créativité ? » se demande Segal. Elle cite à l’appui le rêve de l’un de ses patients, écrivain,sous l’emprise d’un surmoi paternel sadique et écrasant. Dans son rêve, il est capturé par les nazis ; il se trouve dans une pièce sombre où se trouvent notamment Goering et Göbbels. Pour gagner du temps, il leur propose d’écrire leur biographie à la manière héroïque, tout en sachant qu’ils vont quand même le tuer. L’on comprend qu’une représentation aussi peu exaltante de l’écriture entraîne une paralysie complète chez l’écrivain – auteur du rêve !.. Au contraire, Niki, dont l’imaginaire familial peuplé de chevaliers, mais aussi de monstres et de dragons, la prédispose peut-être à ne pas être impressionnée par les nazis (qu’elle ne rencontra pas à vrai dire dans la réalité), retourne la formule de Goëbbels « Quand j’entends le mot ‘culture’, je sors mon révolver ». En faisant « saigner la peinture » avec ses tirs à la carabine, elle (re)-crée de la culture. Avec l’iconoclastie, elle fabrique de l’art!...

Citons encore Segal : « Tous les enfants, à l’exception des plus malades, et tous les adultes jouent. Peu deviennent des artistes. L’artiste a besoin d’une capacité très spéciale pour trouver une expression aux conflits les plus profonds, pour traduire le rêve en réalité. Il réalise une réparation durable dans la réalité aussi bien qu’en fantasme ».

De quel monde détruit s’agit-il chez Niki ? Nous en arrivons, bien sûr, au Secret, c'est-à-dire à l’inceste paternel.
« Maman, j’ai une merveilleuse nouvelle ! Papa est mort ! » (Daddy). Bien des années plus tard, Niki rédige ce petit livre, d’une écriture enfantine reproduite telle quelle dans l’ouvrage. L’on dirait un conte pour enfant des années 60, bien loin de l’art avant-gardiste de ces années-là, d’un Rauschenberg, d’un Duchamp, d’un Jasper Johns. Non, un peu comme ces histoires de Babar l’éléphant, genre « Un papa, une maman »,avec un château en arrière-plan rappelant les origines aristocratiques du père (« pas de quoi se vanter, dira Niki, d’avoir fait les croisades : c’étaient des boucheries ! »). Et puis la remise, les gestes sordides et répétés du père. Et puis la honte, le silence. Cette mère lui disant après la publication du livre : « Si j’avais su ! »… Mais le fond du jardin de Ronsin, où Niki va commencer ses Tirs, est bien le lieu géométrique d’une réparation créatrice (et non magique), par Niki, du « vert paradis des amours enfantines » détruit à tout jamais lorsqu'elle avait douze ans.

« J’ai commencé à peindre chez les fous », disait-elle. Elle ajoutait aussi parfois que les hommes ne servaient à rien, ce qui n’était pas très aimable pour Jean. Ce compagnon devenu mari, dont elle fut l’exécuteur testamentaire fidèle, comme le fut plus tard pour elle sa petite fille Ploum, qui lui donna la joie d’avoir un fils métis. J’imagine Niki dans cette clinique psychiatrique où elle reçut une dizaine d’électrochocs. Elle vient de montrer à son psychiatre la lettre d’aveu du père. Elle entreprendra plus tard une analyse, mais ici, là où elle est, chez les fous, on ne pratique pas cela. On est déjà dans cette « médecine basée sur l’évidence » qui a de beaux jours devant elle. Le psychiatre lui tend la lettre, et lui demande d’arrêter de croire à ces sornettes. Le soir même, il écrira au père pour lui conseiller de consulter, pour ce qu’il estime être un délire d’auto-accusation…

Alors que Niki est la femme d’Henry Matthews, un écrivain sympathique et talentueux, qui lui a « donné » deux enfants, l’une de ses amies artistes lui dit « Alors, comme cela, tu es une femme d’écrivain qui fait de la peinture ? ». Elle quitte son mari, lui confie les enfants, et s’enferme dans son atelier avec de la peinture, des spaghettis, des grains de café… Et elle en voudra longtemps à l’amie en question, pour reconnaître ensuite qu’elle lui devait d’avoir osé vivre sa vocation d’artiste. Le défi l’avait stimulée.

Il est plus que vraisemblable que Niki, au cours de ses séjours parisiens, rencontra un analyste, une femme probablement. Et que ce travail lui fut précieux. Mais ceci ne contredit pas le fait que bien avant, dès cette époque où l’élève pré-pubère du Couvent américain du Sacré-Cœur se fait exclure pour avoir peint en rouge les feuilles de vigne recouvrant les statues, Niki artiste apparaît casquée et toute armée dès la naissance, comme Athéna sortant du crâne de Jupiter.

Il paraît que Franz Schubert, un jour, entra chez l’un de ses amis, et avisa un moulin à café rempli de grains. Il le jeta par terre, les grains se renversèrent, et il dit alors « Quel instrument merveilleux maintenant. On n’a plus qu’à tourner la manivelle, et voilà, les notes, les mélodies apparaissent. On n’a plus qu’à les écrire ! »

Schubert était un homme, petit, laid et d’origine très modeste. Il était aussi un génie. Niki était une femme, grande, belle, et de « haute extraction ». Elle affectait de se moquer de tout cela. Peut-être le fait d’avoir posé pour des magazines de mode, d’avoir été femme objet d’une autre manière que dans la remise du père, influença-t-il son art. Mais pour moi, Niki, c’est celle qui ramasse les grains de café jetés à terre par Franz et qui, comme lui avec le moulin vide, mais en ramassant ces grains et en les collant sur ses tableaux, construit une œuvre merveilleuse.

FD

Références bibliographiques

(1) CATALOGUE DE L'EXPOSITION
(2) PLATON, « Le Banquet.tr.fr 1950 », Gallimard, Bibliothèque de la Pleïade
(3) QUINODOZ Jean-Michel, « Entretiens avec Hanna Segal », 2008, Puf
(4) HANNA SEGAL, « Délire et créativité », tr.fr

D’UNE VIE A L’AUTRE : UN FILM DE GEORG MAAS (Allemagne, 2013)

Monique Bydlowski définit la « dette de vie » comme la participation inconsciente à l’œuvre dans la transmission entre les générations. S’appuyant sur les travaux du Centre Picker-Loczy, Bernard Golse étudie ces effets chez les enfants accueillis en orphelinat.

Katrine (dont le rôle est magistralement interprété par Liv Ulmann, actrice dans « Sonate d’automne » d’Ingmar Bergman) est considérée comme l’un de ces enfants germano-norvégiens nés pendant la IIe Guerre Mondiale, récupérés par les nazis en vue de leur programme d’aryanisation (« Lebensborn »), puis abandonnés après la chute du IIIe Reich et considérés comme des intouchables. Comme d’autres enfants de la RDA, elle vivra dans un orphelinat sous le contrôle de l’omnipotente Stasi.

Nous la retrouvons bien des années plus tard en Norvège où elle a pu retrouver sa mère. Elle est, peu après la chute du Mur de Berlin, sollicitée par un avocat dans le cadre d’un procès contre l’Etat norvégien, sous l’égide de la Communauté Européenne. Acceptera-t-elle de témoigner, au risque de faire voler en éclats le fragile équilibre dans lequel elle et son mari (rôle interprété par Sven Nordin), avec leur fille, se sont paisiblement installés ?

Le film va nous réserver une surprise de taille.

Tout le poids et le contrepoids de la vérité et du mensonge vont défiler sous nos yeux de façon hallucinante, dans une recherche de la vérité des origines et des origines de la vérité qui ne peut qu’évoquer pour un psychanalyste la rencontre d’Œdipe avec la Sphynge. En termes bioniens, la lutte entre les fonctions C (désir de connaissance) et –C (haine de la connaissance).

« Confusion has made its masterpiece » (la confusion vient de produire son chef-d’œuvre), Macbeth.

Il faut saluer le coup d’éclat de Georg Maas qui par ce « Zwei Leben » s’élève d’emblée au niveau des plus grands auteurs, dramaturges et cinéastes qui se sont risqués sur ce thème redoutable de la confusion et du déni des origines : Shakespeare, Pirandello, Kubrick, Thomas Bernard… et quelques autre. Et de renouveler avec vigueur le thème que l’on croyait éteint de la liberté sartrienne, qui fait réécrire en permanence le passé à la lumière du présent.

Francis Drossart

Gravity

Par-delà ses effets spéciaux de film à grand spectacle, Gravity, de Alfonso Caron, nous montre l’être humain confronté à des forces physiques inhumaines. C’est aussi à mon sens une illustration des interactions violentes qui règnent dans l’univers schizo-paranoïde et celui de la position dépressive, tous deux décrits par Mélanie Klein.
« Dans l’espace avec son équipe, une astronaute est projetée dans l’infiniment grand, avec seulement quelques heures d’oxygène devant elle ».
La station orbitaire Explorer est en effet menacée par les produits de désintégration d’un autre satellite, qui se dirigent vers elle à très haute vitesse. Les seuls rescapés (la chargée de mission Ryan Stone dont le rôle est tenu par Sandra Bullock et le chef de mission alias George Clooney) vont devoir lutter pour leur survie. Ce dernier disparaitra lui-même dans la deuxième partie du film, dans un scénario à la Titanic, pour sauver sa jeune collègue.
Sur un fond de décor cosmique d’une grande beauté, prédomine un vécu schizo-paranoïde qui évoque les angoisses psychotiques et/ou autistiques décrites notamment par G.Haag et D.Houzel : chute, morcellement, clivage, désintégration, bidimentionnalité…
Par un phénomène d’identification projective pathologique, les espaces de sécurité dans lesquels se réfugie Ryan deviennent presque instantanément chargés de l’atmosphère catastrophique qu’elle porte avec elle (incendie…). Le clivage du self rejoint ici le clivage de l’objet avec retour en boomerang des parties projetées (écrous, outils, pièces détachées de la navette spatiale, stylos…).
Mais la culpabilité liée à la position dépressive apparaît peu à peu dans le scénario. Celle liée à l’histoire personnelle de Ryan qui a perdu sa propre fille. Mais également celle qui se rattache au sentiment d’avoir abandonné à son triste sort son collègue, un George Clooney qui, en père œdipien, ne lui exprime ses avances sexuelles qu’au moment où il disparait. Ce partenaire qui représente concrètement pour elle le lien par télécommunication avec la planète Terre nourricière…
Au moment où Ryan alias Sandra Bullock croit avoir enfin trouvé refuge dans une station orbitale russe, elle semble se laisser glisser mélancoliquement dans la mort, sauvée in extremis par le fantôme de George Clooney… Celui-ci la réveille dans un climat d’euphorie maniaque en partie entretenu par la vodka qu’il trouve dans la cabine. Ryan va alors trouver l’énergie du désespoir qui l’amène à rejoindre un autre module spatial chinois avec lequel, contre toute attente, elle pourra miraculeusement atterrir. Plongée au fond d’un lac, elle regagne à la nage un rivage d’une beauté stupéfiante. Comme pour nous indiquer que, livrée comme l’espace aux attaques destructrices de l’Anthropocène, et en risque d’être transformée en une décharge débordant d’épaves métalliques, la Terre était malgré tout, magiquement restée intacte.
Réparation maniaque, ou sublimatoire ?

Francis Drossart
1er novembre 2013

Quelques réflexions autour du film
de François Ozon "Jeune et Jolie"

"Jeune et jolie"... hélas!
Certains se souviennent peut-être du "Mais ma petite fille, tu as complètement perdu la raison !" par lequel la bourgeoise de "La vie est un long fleuve tranquille" apostrophait sa jeune progéniture surprise à se maquiller dans la salle de bains... Quelques décennies plus tard, à notre époque post-moderne où Madame Bovary lit les "Cinquante nuances de Grey", le film de François Ozon mérite notre attention de psychanalystes. Non par ses qualités intrinsèques - à mon avis bien inférieures, dans le genre "mystère du féminin", à celles de "Belle de Jour" de Bunuel, de "Lolita" de Kubrick, ou même, plus récemment, de "Sleeping beauty" de Julia Leigh - mais par le message subliminal qu'il transmet, message idéologique et conformiste que je considère être la clé de son indéniable succès. Passons sur les clichés qui servent de toile de fond à cette descente de la belle lycéenne dans les souterrains du sexe tarifé. Ils sont nombreux : le dépucelage morose par un boy-friend tout droit sorti d'un épisode des "Bronzés", la fête d'anniversaire plus débile que nature, la liaison entre maman et le compagnon de sa meilleure amie, les cadenas du pont des amoureux, le danger du viagra chez les cardiaques d'un âge avancé, et l'éternel beau-père dans le rôle du chien dans un jeu de quille... Toute la médiocrité de ce que l'on persiste à appeler le "cinéma français" est là, à cent mille lieues du génie ironique d'Eric Rohmer auquel l'auteur emprunte fort lourdement le thème des "Saisons"...
Mais, comme il se doit, devant ce qui n'est après tout qu'un banal épisode de cette "ivresse du pire" que nous a si bien décrite Ghyslain Levy, la meute des "adolescentologues" s'est crue obligée d'y aller de son interprétation psychologisante : génération internet, addiction, équivalent anorexique, tendances suicidaires, masochisme exhibitionniste... manque l'encoprésie, pourtant suggérée par ces billets de banque cachés dans une armoire à linge. L'argent n'a pas d'odeur, sauf pour le fin limier de la brigade anti-proxénétisme qui découvre le pot aux roses. Mais sûrement pas pour le psychiatre aseptisé qui encaisse sans sourciller l'argent des passes de Léa pour le paiement de ses honoraires. Le "tout-psy" est donc ici convoqué, avec des commentaires d'une triste nullité. L'on pourrait, plus phénoménologiquement, évoquer devant cette élève sans désarroi, une nausée sartrienne fort habilement suggérée par l'abominable tapisserie à fleurs dont est affligée la chambre de l'adolescente. Tapisserie probablement héritée de cette grand-mère dont le prénom a servi de pseudonyme à la "pauvre petite fille riche". Grand-mère dont le lit de mort vient hanter, par effet d'après-coup, la scène de l'octogénaire expirant dans les bras de Léa, dans une chambre d'hôtel plus moderne mais aussi abominable. Ici l'on peut dire que François Ozon atteint, pour peu de temps du reste, une réelle beauté cinématographique. Mais quel est donc ce "message subliminal" que nous annoncions, comme vecteur de la réussite commerciale du film ? Comme toujours en psychanalyse, il faut le chercher là où l'on nous dit qu'il n'y a sûrement rien à voir. Tout le monde s'accorde à dire que la "petite fille riche" ne fait pas "ça" pour de l'argent. Pourquoi donc ? Mais, Bon Dieu, puisqu'on vous a dit qu'elle était riche ! Ah bon !... Comme si les riches n'avaient pas, encore plus que les autres, besoin (de beaucoup) d'argent?...
Il y a à n'en pas douter, dans ces grosses coupures dissimulées comme un trésor de guerre, quelque chose du Plan d'Epargne Etudiant. Et là, tout s'éclaire. Ne s'agit-il pas au fond de montrer que la demoiselle du Lycée Henri IV (H4, signifiant fort) est logée à la même enseigne - ou se loge elle-même à la même enseigne - que ces pauvres jeunes des Cités que l'inscription à l'Université ne dispense nullement d'un travail pénible dans un fast-food, des affres du surendettement... et bien sûr aussi, de la prostitution-masculine ou féminine. Le film aurait d'ailleurs sans doute gagné à ce que la lycéenne soit un lycéen. Mais les résistances qu'il aurait entraînées auraient été bien plus fortes. La moralité - platement bourgeoise - de "Jeune et jolie" est donc un pied de nez à la "misère étudiante" chaque année plus criante alors que le fossé se creuse toujours plus, dans notre société néolibérale, entre les Héritiers et les Déshérités. C'est une manière de faire dire à ces parents des beaux quartiers ("Vous savez, dit la mère de Léa, je gagne bien ma vie"), à l'intention des parents de laissés pour compte : "Nous sommes tous à la même enseigne ! Nos enfants aussi se prostituent. Vous seriez malvenus de venir vous plaindre !".

Francis Drossart